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CARTA DE ALEMANIA (42)

Lo que el viento de la Historia se llevó

Es tanto lo que se ha escrito acerca de la guerra civil española que parece una empresa imposible la de poder decir algo nuevo acerca de ella. Ni siquiera lo voy a intentar. Hablaré en cambio de lo que conozco y lo que sé, de lo que padecí: hablaré de la ominosa posguerra, acerca de la cual ha corrido mucha menos tinta.

Nací el 10 de junio de 1939, es decir, dos meses y diez días después de aquel parte de guerra, quizás el más famoso de la historia de España, tan rica en guerras civiles desde la muerte del gran hideputa (con perdón de las putas) que fue Fernando VII: «En el día de hoy, cautivo y desarmado el ejército rojo, han alcanzado las tropas nacionales sus últimos objetivos militares. La guerra ha terminado. Burgos, 1.º de abril de 1939, Año de la Victoria. El Generalísimo. Fdo.: Francisco Franco Bahamonde».

 

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Los Óscar 2019 se visten de negro y con falda

imageSobresalen apuestas provocadoras donde se realizan críticas explícitas al sexismo y al racismo. Estas películas que menciono, seguramente, oxigenarán a más de un espectador.

 

Mujeres empoderadas, observadas como esposas, madres, hijas, profesionales, líderes o amantes; son el compás y a la vez el éxtasis narrativo de Roma, La buena esposa (The Wife), La Favorita, Ha nacido una estrella, Guerra Fría, El blues de Beale Street y ¿Podrás perdonarme algún día?; producciones efervescentes que demuestran, una vez más, la excesiva importancia del género femenino en cualquier encuadre de la vida.

Estos personajes femeninos están muy alejados de ser platónicos o igualarse a las protagonistas de las populares comedias románticas. Prepárense para ver mujeres magnéticas, decididas a dejar de fingir lo que no son, despiadadas, incansables, sagaces y responsables del éxito de algunos hombres.

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CARTA DE ALEMANIA (41)

Si bemol La Do Si = Bach

¿Quién fue Bach, ese portentoso creador cuyo apellido, en la notación musical alemana, lo integran las notas Si bemol La Do Si, combinación con la que jugó en algunas de sus fugas?

En su libro El Valle de Josafat, el pensador español Eugenio d’Ors arguye sobre Bach: «No solamente sabe representarse las cosas en el espacio (al fin y cabo esto se llama inteligencia), sino que proporciona a los auditores magníficas asociaciones espaciales. // Arquitecturales, para precisar más. Cuando se dice de la música que es una arquitectura en movimiento, yo evoco siempre a Bach. // Y siempre se me aparece “la imagen de una augusta catedral”, según canté un día ya lejano. // Decía entonces: catedral. A veces, sobre todo en los conciertos, he estado a punto de corregirme y de sustituir catedral por palacio. Pero no. Decididamente, era catedral el término justo».

D’Ors refuerza su argumento con una cita del Tratado de Lógica, de Edmond Goblot, donde puede leerse: «El valor estético de Notre Dame de París o Saint–Ouen de Ruán, de una Meditación de Lamartine o de un sermón de Bossuet, de una Cantata de Bach o de la Misa Solemne de Beethoven, no puede ser plenamente gustado por el hombre al cual le sea totalmente extraño el sentimiento religioso». A mí me parece una petición de principio, sería tanto como argüir que el valor estético de la escultura helénica no puede ser plenamente gustado por el hombre al cual le sea totalmente extraño el sentimiento pagano. Pero de todos modos, la cita pone en evidencia el alto valor espiritual que se le otorga a la obra de Bach: sin lugar a dudas, es la cumbre de la música sacra evangélica. Tanto, que el obispo luterano sueco Nathan Södermann llegó a calificarla en 1929 como “el quinto Evangelio”.

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'El lugar sin límites' - película

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Dirección: Arturo Ripstein
Guion: Arturo Ripstein; con José Emilio Pacheco, José Donoso y Manuel Puig (no acreditados), sobre la novela homónima de Donoso.
Con Roberto Cobo, Gonzalo Vega, Lucha Villa, Ana Martín.
México, 1977.

 

A priori, un maridaje ideal entre un escritor y un cineasta que cultivan, cada uno a su manera, una estética de la sordidez y la fealdad, en la que el melodrama muestra sus facetas más trágicas. (Ripstein volvería a adaptar, en 1996, a una realidad mexicana, otra novela famosa, El Coronel no tiene quien le escriba, de García Márquez.)

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CARTA DE ALEMANIA (40)

Ludwig van

Si hubiera sido de ascendencia franco–normanda, de unos 100 km más al sudoeste, probable es que lo conociéramos por el nombre Louis de Bethencourt. Pero puesto que sus ancestros fueron belga–flamencos, ha pasado a la posteridad como Ludwig van Beethoven. Y a partir de Clockwork Orange se le conoce simplemente como Ludwig van... aunque ya el argentino Mauricio Kagel había compuesto un año antes, en 1970, una pieza titulada de ese modo.

¿Quién fue Ludwig van? Además de ser yo, desde la mera noche de los tiempos, un oyente apasionado de su música, a partir de enero de 1965 tuve motivos todavía más personales para preguntármelo. Durante 35 años, hasta que me jubilé en la Radio Deutsche Welle –la emisora alemana para el exterior–, mi trabajo tuvo como hilo musical su melodía de reconocimiento, al menos una vez al día, antes de que el técnico le dispensara luz verde a mi micrófono:

pentagrama 400

 

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Zama

zama 250Zama
Argentina, España y Brasil, 2017
Dirección: Lucrecia Martel
Guion: Lucrecia Martel, sobre la novela homónima de Antonio Di Benedetto
Con Daniel Giménez Cacho, Lola Dueñas, Juan Minujín, Rafael Spregelburd.

 

Difícil no empezar diciendo que se trata de una obra maestra basada en otra obra maestra. Luego, hay que aclarar que, tratándose de Lucrecia Martel (La ciénaga, La niña santa, La mujer sin cabeza), hablar de problemas de “fidelidad” a la fuente está de más. Martel siempre es fiel a sí misma, aun cuando se arriesgue a dar el salto de retratar a la pequeña burguesía salteña a contar la historia de una espera desesperada, a fines del siglo XVIII.

Don Diego de Zama, sí, espera su traslado en una ciudad innominada (quizás Asunción; en todo caso, “río arriba”). Mientras, añora un pasado tan glorioso como dudoso (de corregidor y “pacificador” de indios), y persigue sus propios fantasmas, sus deseos vanos, su inevitable decadencia. Pelea, fundamentalmente, con su sombra, que por momentos adopta la forma de un bandido elusivo, Vicuña Porto.

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'Pensar como performance' - Entrevista con Diana Taylor

diana taylor 250Diana Taylor es un referente mundial en Estudio de Performance. Profesora del Departamento de Estudios de Performance y del Departamento de Español y Portugués, Universidad de Nueva York. Directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Recientemente fue presidenta del Modern Language Association. Tiene varios libros acerca de performance publicados en español y otros idiomas.

 

 

 

Vivian Jiménez entrevista a Diana Taylor

 

Desde hace unas décadas el concepto de la Performance ha venido cambiando, dejó de limitarse al ámbito artístico. ¿Cómo podríamos entenderlo hoy?

Ahora nadie considera el estudio de la Performance exclusivamente como arte de performance, sino de una manera mucho más amplia. Sobre todo a raíz de los estudios de Richard Schechner y el antropólogo Víctor Turner. Con anterioridad, ellos habían comenzado a ver la vida social como performance.

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Paraguay Remembered / Memoria desmemoriada

paraguay remember250Paraguay Remembered / Memoria desmemoriada
Francia/Paraguay
2015
Dirección, guion, producción y narración: Dominique Dubosc

 

Durante la década de los sesenta, el documentalista francés Dominique Dubosc filmó en Paraguay dos cortometrajes que tuvieron mucho éxito internacional: Kuarahy Ohecha y Manohara. Como una suerte de exiliado (se había negado a hacer el servicio militar en épocas de la guerra de Argelia), enseñaba Antropología allí, pero su verdadera vocación era el cine.

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CARTA DE ALEMANIA (39)

Herman Braun–Vega

Hace años, de camino a Holanda en el tren de Colonia a Ámsterdam, a nuestra derecha, al otro lado del pasillo, viajaba un hombre joven con la computadora portátil abierta ante sí, y los auriculares de un walkman taponándole los oídos. Sentado frente a él, en diagonal, un viejo holandés de cara como sacada de un cuadro de El Bosco, pantalones de recia pana, camisa a cuadros, chaqueta de un corte anticuado, y leyendo un libro alemán asimismo de antigua data, lomo de piel y filetes dorados, ¡y todavía en alfabeto gótico! Casi parecía que estuvieran posando para un cuadro del peruano Herman Braun–Vega, como los que habíamos visto pocos días antes en París, en una exposición de su obra en la Maison de l’Amerique Latine.

Y ahora vaya por delante la aclaración de que no soy un entendido en pintura, nada más puedo hablar de unas sensaciones experimentadas en presencia de unos cuadros. Y los de Herman Braun-Vega me dejaron una impresión duradera. No son de los que se olvidan fácilmente, porque concilian el destello de la creación personal con la canibalización, como la llamaba Raymond Chandler, de toda la historia de la pintura anterior a él. O al menos de la obra de aquellos pintores que parecen ser sus más queridas referencias: Rembrandt, Vermeer, Picasso, Goya, y sobre todo Velázquez, a cuyas Meninas les ha dedicado Braun–Vega 53 variaciones visuales y un estudio minucioso, por escrito, del misterio de su composición. Confieso que me seduce más la interpretación que nos diera en su día Antonio Buero Vallejo, pero ya dejé dicho que no soy experto en la materia.

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Los amigos invisibles - próxima publicación

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